Luis Sanchón

Del 24 de sptiembre al 31 de octubre en la Sala de Exposiciones Francisco de Goya

Inauguración el jueves, 24 de septiembre, a las 19 horas

Luis Sanchón

No sólo dibujo...

Artista multidisciplinar, Luis Sanchón, dibujante, pintor, escultor, instalador, creador de vestimenta para performances, construye un imaginario singular y propio, donde el devenir diario resulta inspirador, tanto a través de su trabajo en el museo como de su vida particular. Es un autor en ebullición constante que recrea la realidad que le circunda y ofrece distintas perspectivas de la misma.

Artista de lo cotidiano utiliza cualquier soporte, cualquier material, cualquier objeto y distintas técnicas en la creación de sus obras, muchas veces conectadas con espacios teatrales, a través de indumentarias y caracterizaciones performáticas. Un artista en los márgenes, que trabaja desde fuera y desde dentro de lo artístico. Un creador alejado de las convenciones, fiel a su mundo propio, sin posturas y alimentado por un gran archivo de ideas, plasmadas en el ingente conjunto de sus dibujos. Opera en los márgenes, en los intersticios, en esos espacios donde se necesita el silencio para saber que oyes...“Yo, cada día dibujo... siempre, a veces varios dibujos, expresiones distintas de mi vida cotidiana. Mi obra es mi vida y viceversa” expresa el autor.

El trabajo de los creadores resulta muy variado... muchos acumulan obras de distinto corte en el estudio mientras otros las piensan y las pergeñan abocetadas, en una suerte de libro de artista. Estos últimos, a los que pertenece Sanchón, atesoran dibujos, ideas, anotaciones, textos o imágenes, verdaderos manantiales de creatividad. Y cuando realizan un proyecto, lo construyen con los cimientos consolidados en esos bocetos.

En el corazón del trabajo de LS está el dibujo, columna vertebral de toda su actividad artística. Todo empieza, y a veces también termina, con un dibujo. Técnica que cada vez está más presente, ya desde hace años, en el panorama plástico internacional, pues la inmediatez y ligereza del proceso resulta más que atractiva para el artista y el tiempo resulta crucial.

En esta muestra, Sanchón se plantea cómo dar forma a los recuerdos, a las vivencias, cómo conformar una realidad, a la que uno aspira, donde se vive, donde se anhela... Una realidad poco ortodoxa, rutilante, más allá del límite, personal, oculta y un tanto mágica: allí donde los deseos se cumplan, aunque no hayan sido formulados. La obra remite a las experiencias vitales, tanto físicas como intelectuales y emotivas del artista, a sus vivencias, al pueblo, la ciudad o a la actividad laboral entendida como una extensión inspiradora de su actividad artística.

El arte siempre remite a la vida y en esta exposición queda patente de una forma clara. Es la vida cotidiana, el trabajo, lo personal, los pensamientos y las distintas realidades que conforman este corpus de dibujos, en forma de polípticos o esculturizados en la instalación.

LS habla de un “Inventario emocional inventado” y es cierto, toda evocación lleva consigo una reelaboración un tanto distorsionada que nunca será igual a la vivencia. Sólo podemos aproximarnos un tanto a esa pretendida realidad... la nitidez del pasado se difumina y permanece un recuerdo borroso de la esencia que fue.

Interesante exposición, todo un placer para disfrutar con una inmersión en el mundo del artista.

Antonio Latorre Palacio

Del 9 de mayo al 15 de junio en la Sala de Exposiciones Francisco Zueras

Inauguración el martes, 12 de mayo, a las 19 horas

HISTORIA DE LA BANDERA DE ESPAÑA

Desde el momento en que el hombre se agrupó en comunidades, sintió la necesidad de elegir algún signo que le distinguiese de las demás sociedades. Esta señal de distinción del grupo o tribu, cuya expresión más común son las pinturas en las cuevas, dibujos sobre el cuerpo y el tipo de vestimenta y los adornos que la acompañan, han llegado hasta nuestros dı́as. Por un lado, por los restos arqueológicos que se han hallado. Por otro, es también hoy costumbre social el vestirse, pintarse, tatuarse, colocarse aros, colgantes y adornos que indiquen la “tribu” o grupo social al que pertenecemos.

Este sı́mbolo, que inicialmente cumplı́a una mera función diferenciadora, pasó rápidamente a estar dotado de un carácter religioso al ser dibujado en él el dios o animal sagrado bajo cuya protección se ponı́a a la tribu, siendo  dotado, cada vez más, de una gran carga emocional, materializándose en él los ideales de cada una de las agrupaciones humanas. Cuando es necesario mostrarlo a mucha gente, el signo se coloca sobre un soporte para poder levantarlo y hacerlo visible. Los emblemas se sujetan a un palo o lanza para que todos puedan verlos en los poblados o durante los combates ya que, generalmente, señalaban el lugar donde se encontraba el jefe.

En España, quizás podrı́amos afirmar que la primera divisa utilizada estuvo constituida por el penacho rojo con que los ı́beros adornaban el casco de bronce que les cubrı́a. Es interesante constatar que este color va a ser nuestro color nacional por excelencia; tanto es así que roja va a ser la escarapela de los gorros militares españoles hasta su sustitución por la bicolor, a mediados del siglo XIX.

Los diferentes reinos que al unirse dieron origen a España, utilizaron como enseña las armas heráldicas propias traspasadas al lienzo: Castilla enarboló el pendón carmesı́ con un castillo dorado; León, un león púrpura o rojo sobre fondo blanco; Aragón, los cuatro palos rojos sobre fondo amarillo... Carlos III por Real Decreto de 28 de Mayo de 1785, dispuso: “Para evitar los inconvenientes y perjuicios, que ha hecho ver la experiencia, que puede ocasionar la Bandera Nacional que usa mi Armada Naval y demás embarcaciones españolas, equivocándose a largas distancias o con vientos calmosos con las de otras naciones, he resuelto que en adelante usen mis buques de guerra Bandera dividida a lo largo en tres listas, de las cuales la alta y la baja sean encarnadas y del ancho cada una de la cuarta parte del total y la de en medio amarilla, colocándose en este el escudo de mis Reales Armas reducido a dos cuarteles de Castilla y León con la Corona Real encima...”

Bajo el reinado de Isabel II se amplió el uso de la Bandera Bicolor al Ejército de Tierra, procediéndose así a unificar la Bandera de España. Por Real Decreto de 13 de octubre de 1843 se dispuso la sustitución de todas las enseñas del Ejército por otras nuevas rojigualdas, colores hasta entonces utilizados por la Armada y por algunos Batallones de la Milicia Nacional.

Julio Tapia Gasca

Del 7 de mayo al 30 de junio en la Sala de Exposiciones Francisco de Goya

Inauguración el jueves, 7 de mayo, a las 19 horas

TAPIA

Julio Tapia Gasca

La Sala Goya del Centro de la UNED de Barbastro acoge la obra de Julio Tapia Gasca, artista aragonés cuya trayectoria se ha construido desde una relación profunda con la materia y con la energía que la habita.

Su obra escultórica más conocida, frecuentemente monumental, nace para el exterior. Autovías, rotondas, accesos urbanos y paisajes abiertos se convierten en escenarios donde el acero, el hormigón o el metal dialogan con el viento, la luz y el tiempo. Piezas como Homenaje al Cierzo, Estrella Mudéjar, Gran Toro, u otras más cercanas a nuestra ciudad, como Los Cinco Caballos, Atlantes y la recientemente instalada en Barbastro, Hombre con racimo, no se imponen al entorno, sino que lo acompañan, lo subrayan y lo reinterpretan, convirtiéndose en hitos silenciosos del paisaje aragonés.

En esta exposición, Julio Tapia invita al espectador a entrar en su universo material. La escultura ocupa el centro de la muestra: piezas que parecen haber sido modeladas desde dentro, como si la forma buscara abrirse paso hacia la luz. Hay en ellas una mezcla de fuerza y delicadeza que define la identidad del artista. Junto a las esculturas, una gran pintura revela la otra vertiente de su investigación. En ella, Tapia traslada al plano pictórico el mismo impulso que guía su trabajo tridimensional: la exploración del ritmo, del vacío, del equilibrio inestable que sostiene la forma. El color actúa como un campo de fuerzas, una superficie donde la materia se vuelve luz y pensamiento.

La exposición ofrece así un recorrido por un lenguaje coherente y vivo, en el que escultura y pintura dialogan sin jerarquías. La Sala Goya se convierte en el espacio donde estas dos dimensiones de la obra de Tapia se encuentran, se iluminan mutuamente y permiten al espectador adentrarse en un universo creativo que combina rigor, sensibilidad y una profunda fidelidad a la esencia de la forma.

Ángeles Pérez Esmiol
Directora del Centro de la UNED de Barbastro

Julio Tapia Gasca nace en Zaragoza, en 1957. Artista profesional, polifacético; escultor, pintor y diseñador. Hijo del escultor y pintor profesional Julio Tapia Castillo, con él aprende el oficio de escultor y pintor en su taller, hasta la muerte de este. 

Las esculturas y pinturas monumentales de Julio Tapia enlazan el arte con el paisaje, ya sea en espacio de naturaleza o en espacio urbano, con intervenciones escultóricas, pictóricas o paisajísticas a gran escala, en una mirada romántica hacia las grandes civilizaciones.
Numerosas autovías, carreteras, parques urbanos, edificios públicos y privados lucen sus esculturas y pinturas monumentales en territorio español.

La más reciente obra monumental realizada es Hombre con racimo, realizada para el Ayuntamiento de Barbastro en la glorieta frente al Centro Denominación Origen Somontano en Barbastro. En todas sus obras late una concepción del arte cercana al Art-Land, donde el territorio es parte esencial del sentido de la pieza.

También realiza obra en menor formato para galerías de arte y coleccionistas, como la que podemos disfrutar en esta muestra, que recoge una pequeña parte de su producción de la última década. Coleccionistas de todo el m u n d o disfrutan de sus obras. Le representan dos galerías de arte en Londres; MUTUALART y GALLERIA
BALMAIN.

La obra de Julio Tapia nos invita a detenernos, a reconocer el valor simbólico de los espacios que habitamos y a descubrir cómo el arte puede integrarse en la vida cotidiana
sin renunciar a su fuerza poética.

Del 23 de febrero al 22 de mayo de 2026

Acto de inauguración de la exposición Goya, fantasía y razón: Los Caprichos, tendrá lugar el próximo martes, 17 de marzo, a las 11.00 horas, en la sala de exposiciones del Centro de la UNED de Barbastro.

Goya, fantasía y razón: Los Caprichos

La serie Los Caprichos de Francisco de Goya, publicada en 1799, se caracteriza por el uso de la sátira para criticar los vicios y errores del comportamiento humano. Los Caprichos critican la superstición o falsas creencias, los abusos de la autoridad, concretamente de la nobleza y el clero; el sistema educativo, los matrimonios de conveniencia, la prostitución y las injusticias sociales entre otros temas que, a día de hoy, siguen vigentes. Francisco de Goya realizó estos grabados con objeto de provocar la reflexión en la sociedad de su época.

La vigencia de muchos de los asuntos tratados en esta serie, así como la modernidad que caracteriza al autor, llevan a considerarlo uno de los precursores del arte moderno. Los Caprichos han influido en varias generaciones de artistas de movimientos tan dispares como el Romanticismo, el impresionismo, el expresionismo o el surrealismo.

Goya es una de las grandes figuras del grabado. Dominó todas las técnicas de su época como el aguafuerte, la aguatinta y la punta seca, empleadas en esta serie.

La edición original consta de 80 estampas. El sueño de la razón produce monstruos, Volaverunt, Hasta su abuelo o Ya tienen asiento son algunas de las más conocidas. Esta exposición muestra el mismo número de ejemplares idénticos a los originales en edición facsímil.

 

Francisco de Goya y Lucientes

El suelo de la razón produce monstruos. Capricho 43, 1797-1799

 

 

Francisco de Goya y Lucientes

Volaverunt. Capricho 61, 1797-1799

 

Francisco de Goya y Lucientes

Ya tienen asiento. Capricho 26, 1797-1799

 

 

fundaciongoyaenaragon.es

XIV Concurso de fotografía científica

Del 23 de febrero al 22 de mayo de 2026

OBRA SELECCIONADA EN EL XIV CONCURSO "TU VISIÓN DE LA CIENCIA"

 

FOTOGRAFÍA GANADORA PRIMERA CATEGORÍA

“Habitantes del microcosmos” - Iago Manoel Souto Lorenzo

 

 

FOTOGRAFÍA GANADORA SEGUNDA CATEGORÍA

“Explosión de color” - Aitana Porta Puyol.

El Consorcio Universitario Ramón J. Sender UNED Barbastro con la colaboración de la Asociación Fotográfica y de la Imagen de Barbastro (AFIB), convocan de forma anual el concurso de fotografía científica Tu visión de la ciencia.

Esta iniciativa surgió con el objetivo de fomentar la creatividad científico-artística de los estudiantes y el público en general y de acercar la ciencia y la tecnología a la sociedad a través de la fotografía desde una perspectiva artística y estética.

En la decimocuarta edición se presentaron 167 fotografías, de las que se seleccionaron las 36 imágenes que componen esta exposición y entre las que se incluyen las premiadas:

• En la categoría abierta para mayores de 18 años, la fotografía titulada “Habitantes del microcosmos” de Iago Manoel Souto Lorenzo.
• En la segunda categoría dirigida a escolares menores de 18 años, la fotografía titulada “Explosión de color” de Aitana Porta Puyol.

Steve Gibson

Del 12 de enero al  28 de febrero de 2026

Inauguración el lunes, 12 de enero, a las 18 horas

AL BORDE DEL PRECIPICIO

Steve Gibson

“Al borde del precipicio”, del artista británico afincado en Zaragoza, Steve Gibson, es un proyecto artístico que reflexiona sobre la indiferencia humana ante la crisis medioambiental. Doce figuras humanas a tamaño natural, realizadas en cartón policromado, aparecen atrapadas en un “mar” de residuos plásticos que amenaza con engullirlas.

 A lo largo de su trayectoria, Steve Gibson ha trabajado con el cartón como material escultórico, explorando sus posibilidades expresivas y simbólicas. Ha expuesto en museos y galerías de Zaragoza, Barcelona, Madrid, Liverpool y Toronto, entre otros lugares. Su trabajo conecta la práctica artística con temas sociales y medioambientales, en especial la reflexión sobre el consumo, los residuos y la fragilidad humana. La elección del cartón como material no es casual: se trata de un producto cotidiano, frágil y reciclable, que adquiere aquí la fuerza de un cuerpo humano. 

“Al borde del precipicio” propone unir arte, reciclaje y educación ambiental, mediante una instalación de fuerte impacto visual y social, pensada para sensibilizar y generar debate en torno al cuidado del entorno.